L’INDUSTRIALE: la recensione

Torino dei giorni nostri. Nelle fabbriche si sta combattendo una dura battaglia, quella della crisi economica. Nicola Ranieri è a capo di un industria di materiale ecologico ereditata dal padre. Dopo anni migliori l’azienda subisce il collasso sotto l’ondata della crisi e l’unica possibilità per evitare la bancarotta è la chiusura della fabbrica. Ma Nicola non molla sotto questi fortissimi colpi, il posticipo forzato delle buste paga dei 70 dipendenti a carico e i no della banca che gli aveva aperto i cancelli nei giorni migliori. Nicola cerca in tutti i modi una soluzione per resistere alla chiusura.

La pellicola diretta da Giuliano Montaldo è slavata di ogni colore tranne che dei toni freddi e cupi, quasi in bianco e nero, a calcare uno spazio temporale in cui non c’è niente di buono, dove si perdono le sicurezze del lavoro e della famiglie, nonchè gli affetti. Pierfrancesco Favino interpreta il protagonista e titolare della fabbrica, Nicola Ranieri, solido uomo di mezza età, fiero del proprio lavoro e di quello di suo padre, cui vuole onorare l’azienda e tenerla aperta a tutti i costi. L’interpretazione è ancora una volta solidissima per l’attore romano. Riempie lo schermo e tiene incollati con la sua forza. Non dicasi lo stesso per la pur sempre brava Carolina Crescentini. L’avevamo vista in ruoli migliori, in commedie o situazioni corali come Boris in cui interpretava un’attrice acidella. Il ruolo della moglie (è troppo giovane) di famiglia nobile, dalla madre snob e straricca e un’amica che la ospita a casa quando è in lite con il marito, non gli si addice troppo.

La sostanza del film parla della paura di perdere il lavoro, l’angoscia di non poter sostenere la propria famiglia, ma soprattutto di perdere ciò per cui si sono fatti sacrifici e con esso la propria identità acquisita nel processo degli anni passati a svolgere il proprio lavoro. In contrasto a ciò la forza e la volontà di reagire anche alle situazioni critiche. Questo soprattutto nelle azioni di Nicola che da uomo onesto, pur di non cedere al crollo, finge un incontro con dei giapponesi per far alzare le trattative dei tedeschi in procinto di rilevare parte dell’azienda. Questo porta ad un lieto fine, sciupato solo dalle azioni (ir)razionali dell’ ossessionato Nicola, ormai più verso la moglie che verso il lavoro e le famiglie a carico. Ne poteva nascere un’ idolo o un esempio da seguire mentre si è pensato a dare un’ulteriore tocco di dramma.

Scritte e diretto in canoni poco tradizionali, ovvero in maniera che ogni situazione o decisione risulti appesantita dai dialoghi diretti e la fotografia spinta. La sceneggiatura comunque riflette la situazione di moltissimi titolari di aziende di tutta Italia ed è in parte scritta in maniera verosimile alla realtà, da un certo punto di vista cosa buona e giusta, ma da un’ altro si scorda di essere un prodotto cinematografico e risente della mancanza di alcuni elementi che catturino lo spettatore. Tutto ciò che può farlo quindi rimane la cruda realtà in cui ci possiamo specchiare o meno: Favino che senza mezzi termini dice ai suoi operai che si sta per chiudere la fabbrica; Favino che pedina la moglie; la Crescentini che per respirare invece di aiutare il marito preferisce incontrare e confidarsi con un giovane meccanico rumeno.

Il film scivola comunque abbastanza bene se non fosse che pecca quando la situazione si fa più interessante e non centra il bersaglio sulla situazione fallimentare della fabbrica. Infatti a circa metà film prende il sopravvento la parte coniugale del racconto, scordandosi il vero o presunto scopo e per almeno mezz’ora si vedono solo pedinamenti e incontri/scontri tra Favino e la Crescentini. Nonostante tutto però si mantiene un prodotto di nicchia superiore agli standard italiani a cui siamo abituati, un po’ polpettone esageratamente drammatico, un po’ buon quadro dei nostri giorni ma, visto come prodotto cinematografico, rimane un po’ indigesto.

ScappoDammit

Il regista Montaldo da indicazioni al protagonista Pierfrancesco Favino sul set

LE IDI DI MARZO: la recensione

George Clooney e Ryan Gosling sono impiegati in uno scandalo politico intriso di segreti e ricatti che riesce a trascinare discretamente lo spettatore dopo un’inizio lento ma sofisticato che prepara ad un proseguimento gustoso.

Stephen Meyers (Ryan Gosling) è un’ addetto stampa in gamba nonostante la giovane età che si occupa dell’ organizzazione del partito di Mike Morris (George Clooney) durante le primarie democratiche per concorrere alla presidenza d’America. Stephen è uno dei capisaldi del partito e ammirato sia dai giornalisti che dagli avversari, tanto che Tom Duffy (Paul Giamatti) l’addetto stampa del partito opposto, lo avvicina in gran segreto per offrirgli lavoro nelle loro file. L’incontro non sarebbe mai dovuto avvenire ma in buona fede Stephen lo racconta al proprio capo Paul Zara (Philip Seymour Hoffman). Nel frattempo Stephen viene avvicinato anche da una giovane e sensuale stagista di nome Molly (Evan Rachel Wood) che lavora per il partito. I due si frequentano mantenendo il rapporto in segreto. Stephen si troverà però costretto a raccontarlo quando lei le rivela una verità sconvolgente sul capo-partito Morris per poter sfuggire ad uno schema machiavellico usato contro di lui.

Dove molti altri film del genere intrigo/politico si perdono in lunghi ed interminabili discorsi e spiegazioni verbali, qui le situazioni vengono raccontate sia visivamente che verbalmente, in un’ onesto mix, che, privo di esaltanti colpi di scena o sparatorie o quantaltro salti all’occhio per esaltare lo spettatore in cerca dello stupefacente, porta avanti un racconto ben scritto, con una giusta escalation di indizi che si rivelano man mano e l’interesse crescente col passare delle scene. La sceneggiatura riuscita in gran parte, forse solo un po’ poco pungente, è forse comunque meglio riuscita di una regia a singhiozzi: qui narrativa, qui emotiva che vorrebbe entrare nei personaggi, ma senza momenti di raccordo tra una e l’altra.

Il film di George Clooney è incentrato da subito sul potere e l’appariscenza dei personaggi sotto i riflettori, ma ancor di più su coloro che sotto i riflettori non stanno mai e vedono i discorsi da dietro il “bandierone”, di quelli che si occupano dei discorsi da tenere in pubblico, delle manovre da seguire per annientare gli avversari e sviare attacchi altrui. Clooney ha infatti dichiarato di non aver voluto girare un film di politica o di fazione, ma di spionaggio politico: ha voluto raccontare ciò che sta dietro alla verità e cosa succede anche nella politica reale oggigiorno, tanto che il film è ispirato ad una piècé teatrale basata su fatti reali riguardanti le primarie del 2004 di Howard Dean.

Ideato e scritto con Grant Heslov, socio con cui Clooney aveva scritto anche Good Night, And Good Luck, Clooney si è voluto anche assicurare un’importante ruolo che gli si addice (quello del presidente), nonostante non compaia tantissimo. Ne viene fuori un personaggio pop, di bell’aspetto e di fiducia, gli affideresti ogni avere solo a sentirlo parlare in pubblico e al contrario non gli daresti niente quando insorge dubbi di premeditate manovre con i colleghi prima delle conferenze. Un personaggio che nonostante sia una pedina della scacchiera dei suoi uomini come Stephen non perde la personalità, ne tantomeno le proprie convinzioni. Forse, viste le sfaccettature, andava approfondito meglio.

Tra i tanti illustri attori a prendere parte al film ci sono i grandi Phillip Seymour Hoffman, Marisa Tomei, Evan Rachel Wood e Paul Giamatti. Tutti eccezionali. Se dobbiamo trovarne uno su tutti sarebbe impossibile, si finirebbe per sceglierebbe per simpatia, perchè nessuno sfigura davanti all’imponenza dei due protagonisti Gosling e Clooney. Hoffman solido e deciso, la Tomei sempre affascinante e serena, la Wood graziosa (forse nel doppiaggio italiano?) e solitaria, Giamatti scaltro e bastardo.

Ma ovviamente su tutti c’è un attore all’apice della sua carriea: stesso sguardo cattivo di Drive e gesti decisi, Ryan Gosling si è cucito addosso un ruolo che gli calza a pennello: quello del giovane prodigio. Dicevamo nell’articolo su Drive quanto Gosling sia uno dei pochi (se non l’unico) ad Hollywood a poter impersonare un uomo cinico ma dall’aspetto da bravo ragazzo, tanto che in questo film si racconta proprio l’ascesa della collera che lo porta all’egocentrismo come uno squalo della finanza, dimenticandosi delle vite e carriere altrui, nonostante all’inizio esordiva con una frase che faceva più o meno così: “Io, se ci credo, sono pronto a tutto, ma devo credere nella causa!”. Alla fine di ciò rimarrà ben poco.

ScappoDammit

“Non si possono infrangere certe regole in politica: può scatenare una guerra, può mentire, può ingannare, può mandare in bancarotta la nazione ma non scoparsi le stagiste.”

LIFE IN A DAY: il film di YouTube

Parto subito dicendo che definendolo il film di YouTube è alquanto sbagliato anzi sarebbe meglio definirlo il film della gente. In 3000 utenti tramite YouTube hanno contribuito a girare un proprio segmento della giornata, precisamente quella del 24 Luglio 2010 e caricarlo lo stesso giorno. Il passo successivo è consistito nella scrematura delle 4500 ore di filmati caricati e un eroico lavoro da parte del montatore Joe Walker che ha poi ridotto, assieme al regista Kevin Macdonald, al classico 90 minuti, secondo l’ordine della giornata in cui sono stati girati i filmati: risveglio, mattina, pomeriggio, sera. Sono stati filmati rituali (un bambino cinese che, spinto dal padre, prega per la madre defunta), eventi che segnano la crescita (un ragazzo che si fa la barba per la prima volta sotto i consigli del padre) o una svolta importante (un ragazzo chiama la madre al telefono per confessare la sua omosessualità), ma anche nascite, viaggi (il coreano, non importa se del nord o del sud, l’importante è che finisca la loro inutile guerra, che attraversa il mondo in bicicletta).

I protagonisti sono dunque i nostri raccontastorie (piuttosto che i soliti attori), le persone che ci introducono nel bene e nel male nelle loro vicende. Sono loro a cui ci affezioniamo, anche per pochi secondi, per i quali troviamo (tra le centinaia di personaggi) empatia chi per un motivo chi per un altro, addentrandoci sempre più nel succo del progetto. Non è per fare vedere cosa succede nel mondo e come mai, ma l’essere tutti uguali nelle diversità, nelle diverse lingue o credenze, culture e religioni. Chiunque ha qualcosa da “filmare”, ovvero da portare dentro,  e c’è chi lo fa mostrando le persone che ama, chi ciò di cui ha paura, chi le proprie usanze. Non a caso il progetto è del regista premio Oscar Kevin Macdonald, che nel 2000 ha vinto come Miglior Documentario con Un Giorno A Settembre (sempre l’aver a che fare con il racconto di una singola giornata) che racconta i fatti del Massacro di Monaco durante le Olimpiadi del 1972. Il regista oltre ad aver avuto l’appoggio di sponsorizzazione e uploading dei video da parte di YouTube ha avuto anche quello finanziato da parte di Ridley Scott, rendendo possibile il passaggio a festival come Sundance e Berlinale 2011.

  

La moglie americana che parla con il marito in guerra in Afghanistan tramite Skype e nello stesso montaggio viene intervallato (uno dei momenti più significativi) un giovane fotoreporter afghano che vuole mostrare il lato del suo paese che non conosciamo, che non ci viene mai mostrato, ovvero una palestra con delle ragazze che svolgono esercizi di atletica rendendo di fatto il filmmaker fiero del proprio paese grazie alle atlete connazionali.

Tanti eventi più o meno importanti o suggestivi che ci rendono partecipi, ma il pezzo forte sta nel pensare che mentre il ragazzo omosessuale chiamava la madre al telefono per confessarglielo, dall’altra parte nel mondo più o meno negli stessi istanti il bambino cinese pregava per la madre o mentre una tribù africana canta e balla intorno al fuoco secondo rituale in Australia un bambino sui 4 anni sale per la prima volta su una tavola da surf.

Queste persone, tramite piccoli e banali esempi, hanno dato una bella lezione a tutto il mondo tanto che potrebbe venire proiettato in tutte le scuole. Unica pecca? La colonna sonora incisa appositamente per il film troppo calcata che vuole puntare all’emozione facile ma di fatto si preferiscono le musiche diegetiche.

Il film è visibile tramite questo link: http://www.youtube.com/user/lifeinaday

ScappoDammit

Aspettando Tim!

Aveva solo 18 anni il talentuoso ragazzo di Burbank quando vince una borsa di studio messa in palio dalla Disney, che gli permette di continuare a coltivare la sua passione al California Institute of the Arts di Valencia.
Così nel 1979 TIM BURTON diventa ufficialmente uno degli animatori di casa Disney e prende parte alla realizzazione del lungometraggio Red e Toby – Nemiciamici (The Fox and the Hound) del 1981. Burton non è soddisfatto e contento del lavoro che svolge alla Disney. Red e Toby nemiciamici è ben lontano dalla sua idea creativa. “Era una tortura, dovevo disegnare tutte le scene con le graziose bestioline ammiccanti. Semplicemente non ci riuscivo“.
Questa sua frustaziuone lavorativa viene “vendicata” nel 1982 quando a ventiquattro anni da vita al suo primo cortometraggio come regista, VINCENT (già postato precedentemente), con il quale, tramite il formidabile utilizzo del bianco e nero e della STOP MOTION (tecnica molto cara al regista con la quale a poi girato altri due lunghimetraggi), vince due premi al Chicago Film Festival ed uno al Festival di Animazione di Annecy nel 1983.
Nonostante il successo la Disney non apprezza particolarmente il lavoro, anche se il corto viene invece gradito dalla critica.
Due anni dopo Vincent, nel 1984, Burton riceve dalla Disney la possibilità di girare un nuovo corto, di cui idea il soggetto: si tratta di Frankenweenie (Franken – Frankenstein e weenie – sfigato), nel quale il regista californiano riprende il mito dell’inventore Victor Frankenstein di Mary Shelley (precisamente nella versione del film La moglie di Frankenstein di James Whale) e lo trasforma in un bambino che ricostruisce il suo cagnolino Sparky, morto dopo un incidente, con cuciture e marchingegni elettronici. Il film, in bianco e nero, nonostante una nomination all’Oscar come Miglior Cortometraggio di Fiction, ottiene scarso successo, data la censura da parte della Disney per un pubblico inferiore all’età di quattordici anni, segnando la definitiva, seppur provvisoria, rottura del cineasta californiano con la casa Disney.

Un vecchio detto dice “la vendetta è un piatto che va servito freddo”.
Così è stato per Burton, che ora a distanza di anni farà un lungometraggio proprio da quel corto bandito e per di più il film d’animazione verrà prodotto proprio dalla Disney!!
Non voglio anticiparvi nulla, vi dico solo alcune cose e non svelo nient’altro: il film sarà in bianco e nero, in stop motion e 3D!!! Un ritorno al gotico in piena regola. Mentre aspettiamo la data di uscita godiamoci il corto originale da cui verrà tratto il film.

BUON CINEMA!! PS: sul ciak di questo mese troverete un ottima intervista fatta al regista a riguardo di questo film e del prossimo lavoro che sta girando con il suo attore feticcio JOHNNY DEPP.

[Serie TV] Dead Set: quando gli zombie invadono il Grande Fratello

Il cinema british non smette mai di stupire soprattutto per i contenuti nudi e crudi con storie sorprendentemente originali e fuori dai soliti schemi: Dead Set, prodotto inglese (trasmesso nel 2008 da E4), ne è la perfetta incarnazione. Un’epidemia di zombie invade la civiltà (e fin qui niente di nuovo) fino al diffondersi nella troupe del Grande Fratello. Gli unici a sopravvivere  sono una stagista di nome Kelly e l’insopportabile produttore del programma. Kelly sarà costretta a rifugiarsi nella Casa e avvertire i 6 concorrenti rimasti che il gioco si sta trasformando in un incubo. Le vie di fuga sono ridotte ma la Casa sembra essere un luogo sicuro grazie al recinto, le porte blindate, l’energia a pannelli solari e le scorte di cibo.

In Inghilterra, che quanto a edizioni di Big Brother sono al nostro pari, questa rappresenta un violento e diretto attacco alla produzione del reality show più famoso di tutti. Una società morta che osserva persone morte – ovvero lo show per il popolo dei morti. La serie è un’escalation di dramma alla ricerca della sopravvivenza e un’esplosione di splatter e sangue da B-movie.

Esaminando nel particolare la parte zombesca (come ogni opera di questo genere) possiamo dire che la serie stupisce per il trucco impressionante (!), per la velocità dei non morti con cui rincorrono le prede (altrochè quelli fiacchi di The Walking Dead) e le masse di comparse che arrivano a fiotti davanti alla casa del Grande Fratello. Nella serie ci sono rimandi a tanti film del genere zombie, tutti concentrati in un’unico significativo gesto di satira, che poi è lo stesso che fece partire l’epidemia di zombie movie da parte del signor George A. Romero. Mentre le dinamiche sono giustamente poco approfondite (tipologia del virus e di diffusione) visto che le sappiamo ormai a memoria. Tra l’altro nella serie compaiono parecchi personaggi usciti dal vero Big Brother, compresa la vera presentatrice Davina McCall (nella foto). Ce la vedete la Marcuzzi zombizzata divorare Luca Argentero? Noi Dammits si!

Purtroppo la serie è corta, paragonabile a un lungo film di quasi 2 ore e mezzo se guardato tutto di fila, composta da 5 puntate da 23 minuti ciascuna, eccetto il pilot da 45 minuti. I pochi che possono dire di averla vista in italiano l’hanno scovata nei meandri della seconda serata di MTV lo scorso inverno, mentre ora è facile trovarla sul web. Non bisogna farsela scappare, specie per i fan di The Walking Dead (di cui parleremo presto) odierni o gli zombie fan di sempre.

ScappoDammit

The Wholly Family – la magia di Napoli vista da Terry Gilliam

RIMINI, DOMENICA 20 NOVEMBRE. E’ stato un vero piacere assistere alla proiezione di questo corto proprio assieme all’autore e all’attrice che lo hanno creato: Terry Gilliam e Cristiana Capotondi. Chi l’avrebbe mai detto avrebbero collaborato assieme il maestro di Minneapolis e la trentunenne romana? Il regista di Brazil e Paura e Delirio a LasVegas che collabora con la giovane attrice che debuttò in Vacanze di Natale ’95 poi arrivata alla ribalta con Notte Prima Degli Esami e Come Tu Mi Vuoi fino al recente La Kryptonite Nella Borsa. I due, che sono sembrati abbastanza affiatati, stanno promuovendo con successo questa loro fatica napoletana nella speranza, forse, prima o poi, di trarne un lungometraggio dopo aver comunque girato questi 18 minuti con totale libertà per il regista grazie alla buona produzione (la Pasta Garofalo) sopra ai soliti standard italiani. In questa breve ma festosa mattinata riminese al cinema Tiberio, Gilliam ha ritirato il premio Smiting, mentre il giorno precedente era stato insignito del premio Fellini, consegnato annualmente a registi di spicco mondiale e indubbia creatività. Ne sanno qualcosa Scorsese, Polanski, Lumet e Sorrentino.

Recensione e trama del cortometraggio:

Una famigliola è in vacanza a Napoli e mentre il figlio (Nicolas Connoly) sta ammirando delle statuette dei pulcinella per le bancarelle, i genitori (mamma Capotondi e babbo Douglas Dean) sono occupati a litigare (davanti a palate di rifiuti) e ossessionarsi con il bambino per delle statuette che non avrà mai filtrando tutto come capriccio. Purtroppo così estremi vengono descritti simili a macchiette (il doppiaggio non aiuta!) e perdono di credibilità (la Capotondi era giusta per il ruolo?), quando però arriva il bello.

Tornati in albergo il bambino tira fuori una statuetta che aveva furbamente rubato sotto gli occhi dei genitori che, come per magia, nella notte prende vita e porta con se il bambino nel mondo dei pulcinella e delle tipiche maschere partenopee, attraverso vari scenari pittorici degni del maestro Gilliam, tra cui un’ ospedale delle bambole rotte che esiste veramente. Sogni non così lontani dalla realtà?!

ScappoDammit

Di seguito due momenti della mattinata mentre qui potete vedere il cortometraggio in streaming: http://www.pastagarofalo.it/it/garofalo-firma-il-cinema/minisito/the-wholly-family/

I tre Dammits presenti dietro ai protagonisti

Premiazione dopo il corto

DRIVE: la recensione

“Ci sono 100.000 strade in questa città, non c’è bisogno che tu le conosca, dammi ora e luogo e ti do 5 minuti, qualsiasi cosa accada in quei 5 minuti ci penso io, ma ti avverto, qualsiasi cosa accada un minuto prima e un minuto dopo te la cavi da solo.”

Con queste parole esordisce il pilota senza nome per avvertire i due rapinatori che accompagna verso il luogo della rapina. Guida la macchina più comune della California, una banalissima Impala bianca che per l’occasione monta un motore da 300 cavalli, tutti a completa disposizione per l’imminente fuga dalla polizia. Sembra di essere a fianco del pilota, oppure di provare un videogioco di simulazione di guida. Lui sguardo fisso, mano guantata inchiodata al volante. Ha il volto da bravo ragazzo e un passato sconosciuto. Si sa poco circa la sua esistenza: conosce le macchine meglio di qualsiasi altra cosa, meccanico e stuntman cinematografico di giorno, pilota per rapinatori di notte e aspira alle gare ad alta velocità assieme al capo officina, a sua volta braccato dalla mafia locale e invischiato in affari sporchi. Un giro di soldi e macchine poco gradito al pilota che, dopo aver conosciuto Irene e il figlioletto, ed essersi affezionato, cerca in tutti i modi di disfarsene ed avere almeno una parte di vita tranquilla. Ma i problemi giungono quando lei, ormai innamorata del pilota, si vede tornare a casa il marito, appena uscito di prigione e incastrato in un giro di soldi. Malgrado ciò ad aiutarlo sarà proprio il pilota che non si tira indietro pur di non lasciare Irene nei guai. Quello che ha inizio è un’escalation di violenza, tema sempre presente e sempre giustificato nei lavori di Refn dalla trilogia di Pusher a Bronson: «In questa storia la violenza è giustificata solo se c’è amore dietro e in un certo senso esplode anche sessualmente per cui la violenza serve essenzialmente alla storia d’amore».

Quello di lui e di lei sono due mondi così distanti che però quando si incontrano, si intrecciano e tutto il resto si ferma. Si fissano, dopo qualche secondo sorridono e si capiscono senza alcun bisogno di parole; il pilota dalla doppia vita (l’emergente e talentuoso canadese Ryan Gosling) e la madre in cerca di affetto (la sempre più dolce Carey Mulligan segnata anche qui da un velo di sofferenza). Tutto il film è incentrato sul loro incontro e sui loro sguardi che ben rappresentano l’amore che matura tra di loro come i ralenty a là In The Mood For Love che enfatizzano la sempre maggiore voglia di uno dell’altro.

Ma Drive oltre ad essere una semplicissima (schematicamente parlando) ma profonda storia d’amore, ha tratti noir o come lo ha definito il regista danese Nicolas Winding Refn, un “Noir al Neon”. Come non dargli torto viste le luci abbaglianti che spiccano sia nelle riprese aeree sia dentro le strade della Los Angeles notturna come nel migliore poliziesco losangelino di Michael Mann o un film anni ’80; epoca fondamentale per il regista da cui ne trae anche la colonna sonora: «Sono nato negli anni ’70, ma il mio cinema e la mia musica di riferimento riguardano gli Ottanta. Drive affianca momenti poetici ad altri efferati, entrambi parte della personalità sdoppiata del protagonista. Ne è sintesi la scena in un ascensore in cui l’uomo consuma l’unico, appassionato bacio alla donna che ha cambiato la sua vita, e subito dopo prende a calci la testa di un killer fino a spappolarla.”

Un personaggio interessante ed intrigante, quello creato nel romanzo omonimo di James Sallis poi trasposto nella sceneggiatura per il film da Hossein Amini, che strizza ovviamente l’occhio al ben più noto Travis Bickle di Taxi Driver per temperanza, cinismo e ovviamente l’aver a che fare con la strada e le persone che la abitano. Poche parole ma tanta sostanza nella storia semplice e concisa che dirige Refn, un vero talento nel miscelare altri talenti. Il principale è quello di Ryan Gosling, piacevole e soprattutto notevole che fino ad oggi era rimasto un mistero. Forse l’unico oggi ad Hollywood a poter impersonare un personaggio picchiaduro senza averne l’aspetto ma evocando cattiveria necessaria e violenza nel sangue. Tra lui e il regista è nata un intesa “telepatica” che li porterà a lavorare ancora insieme. Ottima la spalla Carey Mulligan, che solo grazie al viso trasmette tutto ciò che è necessario al suo personaggio: ricerca d’affetto. Come ogni cult che si rispetti in Drive non manca niente. Un personaggio perfetto che non è facile scordare, scene mozzafiato tra scenari d’amore, sparatorie e fughe in macchina, inquadrature e luci scelte con perfetta cura in cui viene inserita una colonna sonora meravigliosa, che amplia ciò che si vede sullo schermo, si colloca benissimo tra le immagini ed emoziona come poche. A real human being and a real hero.

ScappoDammit 

Quando il governo va contro la cultura.

Lo so che non dovrei buttarmi così nelle questioni politiche, che poi TobyDammit mi censura, ma questo è un argomento che vale la pena di parlare.
Il fatto è questo, con una circola del 5 agosto l’Inps ha praticamente eliminato il diritto al sussidio straordinario di disoccupazione a chi ha competenze artistiche e culturali. Quindi attori, cantanti,presentatori, registi, direttori di fotografia e d’orchestra, compositori, coreografi, scenografi, ballerini e disegnatori attaccatevi al cazzo!
La decisione dell’Inps è di stroncare questo diritto solo a chi fa un mestiere artistico, quindi non i tecnici e i lavoratori stagionali, così più di centotrenta tra registi, danzatori, musicisti e attori tra cui nomi di compagnie teatrali autorevoli, hanno firmato una petizione di protesta che sta girando di palco in palco. L’attaccapanni giuridico a cui si sono aggrappati i tirchi dell’Inps che invita i datori di lavoro a non versare più il contributo Ds, che permetteva l’accesso al sussidio, è una sentenza della Cassazione del maggio 2010, che ha respinto il ricorso di un lavoratore facendo riferimento al contenuto del decreto del 4 Ottobre del 1935 n. 1827, anno in cui iniziò la guerra d’Etiopia, in cui si stabilisce che il personale artistico, teatrale e cinematografico deve ritenersi escluso dall’assicurazione obbligatoria contro la disoccupazione involontaria.
L’Inps ha prontamente utilizzato la conferma di questo decreto come grimaldello per spostare i lavoratori dello spettacolo nel calderone infernale degli autonomi, quindi senza diritto al sussidio e quindi artisti arrangiatevi. Tranne se siete assunti in pianta stabile, che praticamente è impossibile in quanto il settore per sua natura è stagionale e legato ai progetti.
Insomma a questo governo non gli frega niente della cultura e questo nuovo atto mette in crisi un settore già in crisi di suo. Già, perché come dice l’attore Hossein Taheri al giornale Il Fatto Quotidiano: Gli attori erano considerati un ibrido tra dipendenti e autonomi all’interno di un sistema ambiguo che ha permesso il quieto vivere di tutti, anche di chi magari sul tavolo della trattativa ci buttava il sussidio, quasi fossero soldi del datore di lavoro e non dello Stato. Il sistema avrebbe dovuto muoversi in una certa direzione indicatagli dal Parlamento europeo sullo Statuto sociale degli artisti, che si chiaramente espresso preoccupato sul fatto che nessun artista sia del tutto al sicuro dalla precarietà, rappresenta il motivo per il quale si invitano gli Stati a definire un quadro giuridico da cui far scaturire adeguate protezioni sociali. Ma noi sappiamo che siamo in Italia, il paese del “fai come cavolo ti pare basta che non rompi i coglioni al Presidente del consiglio”.
L’associazione Toby Dammit come sempre vicina allo spettacolo e alla culura in generale, disapprova questa linea del governo, noi non possiamo fare molto tranne che essere qui con voi e darvi sempre il meglio del cinema d’essai, invitandovi a non trascurare la cultura andando nei piccoli cinema d’essai come lo Snaporaz e pubblicizzandoci il più possibile.
Buon cinema a tutti!
Rob Knoxville

(dall’articolo di Elisabetta Ambrosi pubblicato sul Fatto Quotidiano)

Cinema indipendente: Dark Resurrection vol.0 (ovvero quando il cinema di genere fa il culo al cinema d’essai)

In Italia non escono mai film di fantascienza? La risposta è certamente si, soltanto che non vengono calcolati perché chi produce/distribuisce film sono stupidi/stronzi.
Come avevamo già parlato mostrato mesi fa, Angelo Licata (dentista di professione e regista per diletto) con mezzi limitati e un budget di 7 mila euro, aveva creato il primo fan-movie italiano ispirato al mondo di Star Wars: DARK RESURRECTION VOL. 1.
Ora dopo questo film di successo (almeno online, ricordo che ha avuto i complimenti dalla LucasArt) girato tra Sanremo e Ventimiglia, il regista e la produzione hanno fatto uscire DARK RESURRECTION VOL. 0, un prologo per l’oramai atteso Vol. 2.
Questo mediometraggio uscito online l’8 settembre scorso in una sola settimana ha contato qualcosa come 28 mila visualizzazioni. Grazie all’amore dei fan per questo prodotto, con le donazioni di migliaia di persone la produzione a potuto godere di un budget più sostanziale e di appoggi tecnici migliori.
Ricordiamo la presenza gratuita nel primo volume di Sergio Muniz e la voce di Claudio Sorrentino (doppiatore di John Travolta, Mel Gibson, Bruce Willis e Ron Howard in Happy Days), bene in questo capitolo della saga oltre al ritorno di Sorrentino come narratore, troviamo il regista Fausto Brizzi (fan del vol. 1) nel ruolo del Maestro Jedi Zistor, Daniel McVicar nel suolo di Vikar, Primo Guardiano di Eron ed anche Nina Senicar nel ruolo di Nisar, Terza Guardiana di Eron.
Il film è un ottimo prodotto sia per tecnica che per recitazione.
Licata ancora una volta dimostra di saper dirigere magistralmente attori dilettanti (il cattivo del film il Maestro Sorran è il padre del regista) con risultati ottimi. Nel sostenere questa iniziativa Toby Dammit vi consiglia di seguire la saga sia dal sito internet www.darkresurrection.com, sia continuando a seguire questo tipo di cinema indipendente, che mette in mostra talenti sconosciuti ma che creano prodotti davvero allettanti come questo film di fantascienza del tutto made in Italy.
Che la forza sia con voi e buon cinema!

ABRAMS & SPIELBERG: COPPIA VINCENTE

Due registi icone del cinema mondiale. Il primo (solo per anzianità) classe 1946, nato a Cincinnati nell’Ohio, l’inventore di quei film che oggi chiamano blockbuster, colui che negli anni settanta a rivoluzionato il linguaggio cinematografico, tra i suoi titoli ricordiamo Duel, Lo squalo (470 milioni di dollari incassati nel 1975) E.T., Il colore viola, Salvate il soldato Rayan e Shindler’s list solo per citarne alcuni, 2 oscar vinti. Il secondo invece classe 1966 di New York ha rivoluzionato il linguaggio delle serei tv con Lost, Alias, Felicity e Fridge ha raggiunto il grade scermo solo nel 2006 con Mission Impossible 3 seguito poi da Cloverfield e Star Trek. Sto parlando respettivamente di Steven Spielberg e Jeffrey Jacob Abrams. Cosa questi due registi hanno in comune oltre al loro lavoro? Due cose: la prima che entrambi hanno mosso i loro primi passi nel cinema facendo dei cortometraggi in 8mm e Super 8 coinvolgendo i loro amici e partecipando a concorsi locali per registi emergenti, la seconda cosa la voglia di lavorare assieme ad un progetto. Bene questi due punti si sono conciliati con il film uscito il 9 Settembre di quest’anno: SUPER 8.
Estate del 1979, un gruppetto di ragazzi sta girando un film amatoriale sugli zombie, quando per caso, assistono e filmano ad un incidente ferroviario, dal quale scappa qualcosa o qualcuno. Per proteggere il segreto l’esercito prende possesso della cittadina dove vivono i ragazzi, i quali non si lasceranno intimorire e cercheranno di scoprire la verità.
Un mix tra E.T., Incontri ravvicinati del terzo tipo, i Goonies, Stand by me e i ragazzi di Trouffaut, questo film è sicuramente un film spettacolare. Come disse Spielberg per i Goonies questa è l’avventura che qualsiasi adulto vuole vivere ma visto sotto gli occhi di un gruppo di ragazzini. Film dal ritmo incalzante dall’ottima regia di Abrams che con questo film tipicamente “Spielberiano” ci fa fare un piacevole salto nel passato e in quel tipo di cinema che avevamo forse dimenticato in questa epoca fatta di super eroi e super-sbirri.
Ottima la fotografia firmata Larry Fong.
Assolutamente da vedere per passare un paio d’ore di vero cinema, ora un paio di avvertimenti, il primo è rimanete per i titoli di testa e potrete ammirare il corto che girano i ragazzi durante il film e secondo tenete d’occhio i protagonisti perchè li riverdemo presto sopratutto la giovanissima Elle Fanning e Joel Courtney.

Ok ora vi lascio con un paio di video il primo è il trailer del film, mentre il secondo è il primo corto amatoriale di Spielberg girato con una 8mm che poi ha dato il nome alla sua casa di produzione e come sempre buon cinema!