Torino dei giorni nostri. Nelle fabbriche si sta combattendo una dura battaglia, quella della crisi economica. Nicola Ranieri è a capo di un industria di materiale ecologico ereditata dal padre. Dopo anni migliori l’azienda subisce il collasso sotto l’ondata della crisi e l’unica possibilità per evitare la bancarotta è la chiusura della fabbrica. Ma Nicola non molla sotto questi fortissimi colpi, il posticipo forzato delle buste paga dei 70 dipendenti a carico e i no della banca che gli aveva aperto i cancelli nei giorni migliori. Nicola cerca in tutti i modi una soluzione per resistere alla chiusura.

La pellicola diretta da Giuliano Montaldo è slavata di ogni colore tranne che dei toni freddi e cupi, quasi in bianco e nero, a calcare uno spazio temporale in cui non c’è niente di buono, dove si perdono le sicurezze del lavoro e della famiglie, nonchè gli affetti. Pierfrancesco Favino interpreta il protagonista e titolare della fabbrica, Nicola Ranieri, solido uomo di mezza età, fiero del proprio lavoro e di quello di suo padre, cui vuole onorare l’azienda e tenerla aperta a tutti i costi. L’interpretazione è ancora una volta solidissima per l’attore romano. Riempie lo schermo e tiene incollati con la sua forza. Non dicasi lo stesso per la pur sempre brava Carolina Crescentini. L’avevamo vista in ruoli migliori, in commedie o situazioni corali come Boris in cui interpretava un’attrice acidella. Il ruolo della moglie (è troppo giovane) di famiglia nobile, dalla madre snob e straricca e un’amica che la ospita a casa quando è in lite con il marito, non gli si addice troppo.

La sostanza del film parla della paura di perdere il lavoro, l’angoscia di non poter sostenere la propria famiglia, ma soprattutto di perdere ciò per cui si sono fatti sacrifici e con esso la propria identità acquisita nel processo degli anni passati a svolgere il proprio lavoro. In contrasto a ciò la forza e la volontà di reagire anche alle situazioni critiche. Questo soprattutto nelle azioni di Nicola che da uomo onesto, pur di non cedere al crollo, finge un incontro con dei giapponesi per far alzare le trattative dei tedeschi in procinto di rilevare parte dell’azienda. Questo porta ad un lieto fine, sciupato solo dalle azioni (ir)razionali dell’ ossessionato Nicola, ormai più verso la moglie che verso il lavoro e le famiglie a carico. Ne poteva nascere un’ idolo o un esempio da seguire mentre si è pensato a dare un’ulteriore tocco di dramma.

Scritte e diretto in canoni poco tradizionali, ovvero in maniera che ogni situazione o decisione risulti appesantita dai dialoghi diretti e la fotografia spinta. La sceneggiatura comunque riflette la situazione di moltissimi titolari di aziende di tutta Italia ed è in parte scritta in maniera verosimile alla realtà, da un certo punto di vista cosa buona e giusta, ma da un’ altro si scorda di essere un prodotto cinematografico e risente della mancanza di alcuni elementi che catturino lo spettatore. Tutto ciò che può farlo quindi rimane la cruda realtà in cui ci possiamo specchiare o meno: Favino che senza mezzi termini dice ai suoi operai che si sta per chiudere la fabbrica; Favino che pedina la moglie; la Crescentini che per respirare invece di aiutare il marito preferisce incontrare e confidarsi con un giovane meccanico rumeno.

Il film scivola comunque abbastanza bene se non fosse che pecca quando la situazione si fa più interessante e non centra il bersaglio sulla situazione fallimentare della fabbrica. Infatti a circa metà film prende il sopravvento la parte coniugale del racconto, scordandosi il vero o presunto scopo e per almeno mezz’ora si vedono solo pedinamenti e incontri/scontri tra Favino e la Crescentini. Nonostante tutto però si mantiene un prodotto di nicchia superiore agli standard italiani a cui siamo abituati, un po’ polpettone esageratamente drammatico, un po’ buon quadro dei nostri giorni ma, visto come prodotto cinematografico, rimane un po’ indigesto.

ScappoDammit

Il regista Montaldo da indicazioni al protagonista Pierfrancesco Favino sul set

Stephen Meyers (Ryan Gosling) è un’ addetto stampa in gamba nonostante la giovane età che si occupa dell’ organizzazione del partito di Mike Morris (George Clooney) durante le primarie democratiche per concorrere alla presidenza d’America. Stephen è uno dei capisaldi del partito e ammirato sia dai giornalisti che dagli avversari, tanto che Tom Duffy (Paul Giamatti) l’addetto stampa del partito opposto, lo avvicina in gran segreto per offrirgli lavoro nelle loro file. L’incontro non sarebbe mai dovuto avvenire ma in buona fede Stephen lo racconta al proprio capo Paul Zara (Philip Seymour Hoffman). Nel frattempo Stephen viene avvicinato anche da una giovane e sensuale stagista di nome Molly (Evan Rachel Wood) che lavora per il partito. I due si frequentano mantenendo il rapporto in segreto. Stephen si troverà però costretto a raccontarlo quando lei le rivela una verità sconvolgente sul capo-partito Morris per poter sfuggire ad uno schema machiavellico usato contro di lui.

Dove molti altri film del genere intrigo/politico si perdono in lunghi ed interminabili discorsi e spiegazioni verbali, qui le situazioni vengono raccontate sia visivamente che verbalmente, in un’ onesto mix, che, privo di esaltanti colpi di scena o sparatorie o quantaltro salti all’occhio per esaltare lo spettatore in cerca dello stupefacente, porta avanti un racconto ben scritto, con una giusta escalation di indizi che si rivelano man mano e l’interesse crescente col passare delle scene. La sceneggiatura riuscita in gran parte, forse solo un po’ poco pungente, è forse comunque meglio riuscita di una regia a singhiozzi: qui narrativa, qui emotiva che vorrebbe entrare nei personaggi, ma senza momenti di raccordo tra una e l’altra.

Il film di George Clooney è incentrato da subito sul potere e l’appariscenza dei personaggi sotto i riflettori, ma ancor di più su coloro che sotto i riflettori non stanno mai e vedono i discorsi da dietro il “bandierone”, di quelli che si occupano dei discorsi da tenere in pubblico, delle manovre da seguire per annientare gli avversari e sviare attacchi altrui. Clooney ha infatti dichiarato di non aver voluto girare un film di politica o di fazione, ma di spionaggio politico: ha voluto raccontare ciò che sta dietro alla verità e cosa succede anche nella politica reale oggigiorno, tanto che il film è ispirato ad una piècé teatrale basata su fatti reali riguardanti le primarie del 2004 di Howard Dean.

Ideato e scritto con Grant Heslov, socio con cui Clooney aveva scritto anche Good Night, And Good Luck, Clooney si è voluto anche assicurare un’importante ruolo che gli si addice (quello del presidente), nonostante non compaia tantissimo. Ne viene fuori un personaggio pop, di bell’aspetto e di fiducia, gli affideresti ogni avere solo a sentirlo parlare in pubblico e al contrario non gli daresti niente quando insorge dubbi di premeditate manovre con i colleghi prima delle conferenze. Un personaggio che nonostante sia una pedina della scacchiera dei suoi uomini come Stephen non perde la personalità, ne tantomeno le proprie convinzioni. Forse, viste le sfaccettature, andava approfondito meglio.

Tra i tanti illustri attori a prendere parte al film ci sono i grandi Phillip Seymour Hoffman, Marisa Tomei, Evan Rachel Wood e Paul Giamatti. Tutti eccezionali. Se dobbiamo trovarne uno su tutti sarebbe impossibile, si finirebbe per sceglierebbe per simpatia, perchè nessuno sfigura davanti all’imponenza dei due protagonisti Gosling e Clooney. Hoffman solido e deciso, la Tomei sempre affascinante e serena, la Wood graziosa (forse nel doppiaggio italiano?) e solitaria, Giamatti scaltro e bastardo.

Ma ovviamente su tutti c’è un attore all’apice della sua carriea: stesso sguardo cattivo di Drive e gesti decisi, Ryan Gosling si è cucito addosso un ruolo che gli calza a pennello: quello del giovane prodigio. Dicevamo nell’articolo su Drive quanto Gosling sia uno dei pochi (se non l’unico) ad Hollywood a poter impersonare un uomo cinico ma dall’aspetto da bravo ragazzo, tanto che in questo film si racconta proprio l’ascesa della collera che lo porta all’egocentrismo come uno squalo della finanza, dimenticandosi delle vite e carriere altrui, nonostante all’inizio esordiva con una frase che faceva più o meno così: “Io, se ci credo, sono pronto a tutto, ma devo credere nella causa!”. Alla fine di ciò rimarrà ben poco.

ScappoDammit

“Non si possono infrangere certe regole in politica: può scatenare una guerra, può mentire, può ingannare, può mandare in bancarotta la nazione ma non scoparsi le stagiste.”

I protagonisti sono dunque i nostri raccontastorie (piuttosto che i soliti attori), le persone che ci introducono nel bene e nel male nelle loro vicende. Sono loro a cui ci affezioniamo, anche per pochi secondi, per i quali troviamo (tra le centinaia di personaggi) empatia chi per un motivo chi per un altro, addentrandoci sempre più nel succo del progetto. Non è per fare vedere cosa succede nel mondo e come mai, ma l’essere tutti uguali nelle diversità, nelle diverse lingue o credenze, culture e religioni. Chiunque ha qualcosa da “filmare”, ovvero da portare dentro,  e c’è chi lo fa mostrando le persone che ama, chi ciò di cui ha paura, chi le proprie usanze. Non a caso il progetto è del regista premio Oscar Kevin Macdonald, che nel 2000 ha vinto come Miglior Documentario con Un Giorno A Settembre (sempre l’aver a che fare con il racconto di una singola giornata) che racconta i fatti del Massacro di Monaco durante le Olimpiadi del 1972. Il regista oltre ad aver avuto l’appoggio di sponsorizzazione e uploading dei video da parte di YouTube ha avuto anche quello finanziato da parte di Ridley Scott, rendendo possibile il passaggio a festival come Sundance e Berlinale 2011.

La moglie americana che parla con il marito in guerra in Afghanistan tramite Skype e nello stesso montaggio viene intervallato (uno dei momenti più significativi) un giovane fotoreporter afghano che vuole mostrare il lato del suo paese che non conosciamo, che non ci viene mai mostrato, ovvero una palestra con delle ragazze che svolgono esercizi di atletica rendendo di fatto il filmmaker fiero del proprio paese grazie alle atlete connazionali.

Tanti eventi più o meno importanti o suggestivi che ci rendono partecipi, ma il pezzo forte sta nel pensare che mentre il ragazzo omosessuale chiamava la madre al telefono per confessarglielo, dall’altra parte nel mondo più o meno negli stessi istanti il bambino cinese pregava per la madre o mentre una tribù africana canta e balla intorno al fuoco secondo rituale in Australia un bambino sui 4 anni sale per la prima volta su una tavola da surf.

Queste persone, tramite piccoli e banali esempi, hanno dato una bella lezione a tutto il mondo tanto che potrebbe venire proiettato in tutte le scuole. Unica pecca? La colonna sonora incisa appositamente per il film troppo calcata che vuole puntare all’emozione facile ma di fatto si preferiscono le musiche diegetiche.

Il film è visibile tramite questo link: http://www.youtube.com/user/lifeinaday

Un vecchio detto dice “la vendetta è un piatto che va servito freddo”.
Così è stato per Burton, che ora a distanza di anni farà un lungometraggio proprio da quel corto bandito e per di più il film d’animazione verrà prodotto proprio dalla Disney!!
Non voglio anticiparvi nulla, vi dico solo alcune cose e non svelo nient’altro: il film sarà in bianco e nero, in stop motion e 3D!!! Un ritorno al gotico in piena regola. Mentre aspettiamo la data di uscita godiamoci il corto originale da cui verrà tratto il film.

BUON CINEMA!! PS: sul ciak di questo mese troverete un ottima intervista fatta al regista a riguardo di questo film e del prossimo lavoro che sta girando con il suo attore feticcio JOHNNY DEPP.

Il cinema british non smette mai di stupire soprattutto per i contenuti nudi e crudi con storie sorprendentemente originali e fuori dai soliti schemi: Dead Set, prodotto inglese (trasmesso nel 2008 da E4), ne è la perfetta incarnazione. Un’epidemia di zombie invade la civiltà (e fin qui niente di nuovo) fino al diffondersi nella troupe del Grande Fratello. Gli unici a sopravvivere  sono una stagista di nome Kelly e l’insopportabile produttore del programma. Kelly sarà costretta a rifugiarsi nella Casa e avvertire i 6 concorrenti rimasti che il gioco si sta trasformando in un incubo. Le vie di fuga sono ridotte ma la Casa sembra essere un luogo sicuro grazie al recinto, le porte blindate, l’energia a pannelli solari e le scorte di cibo.

In Inghilterra, che quanto a edizioni di Big Brother sono al nostro pari, questa rappresenta un violento e diretto attacco alla produzione del reality show più famoso di tutti. Una società morta che osserva persone morte – ovvero lo show per il popolo dei morti. La serie è un’escalation di dramma alla ricerca della sopravvivenza e un’esplosione di splatter e sangue da B-movie.

Esaminando nel particolare la parte zombesca (come ogni opera di questo genere) possiamo dire che la serie stupisce per il trucco impressionante (!), per la velocità dei non morti con cui rincorrono le prede (altrochè quelli fiacchi di The Walking Dead) e le masse di comparse che arrivano a fiotti davanti alla casa del Grande Fratello. Nella serie ci sono rimandi a tanti film del genere zombie, tutti concentrati in un’unico significativo gesto di satira, che poi è lo stesso che fece partire l’epidemia di zombie movie da parte del signor George A. Romero. Mentre le dinamiche sono giustamente poco approfondite (tipologia del virus e di diffusione) visto che le sappiamo ormai a memoria. Tra l’altro nella serie compaiono parecchi personaggi usciti dal vero Big Brother, compresa la vera presentatrice Davina McCall (nella foto). Ce la vedete la Marcuzzi zombizzata divorare Luca Argentero? Noi Dammits si!

Purtroppo la serie è corta, paragonabile a un lungo film di quasi 2 ore e mezzo se guardato tutto di fila, composta da 5 puntate da 23 minuti ciascuna, eccetto il pilot da 45 minuti. I pochi che possono dire di averla vista in italiano l’hanno scovata nei meandri della seconda serata di MTV lo scorso inverno, mentre ora è facile trovarla sul web. Non bisogna farsela scappare, specie per i fan di The Walking Dead (di cui parleremo presto) odierni o gli zombie fan di sempre.

RIMINI, DOMENICA 20 NOVEMBRE

Recensione e trama del cortometraggio:

Una famigliola è in vacanza a Napoli e mentre il figlio (Nicolas Connoly) sta ammirando delle statuette dei pulcinella per le bancarelle, i genitori (mamma Capotondi e babbo Douglas Dean) sono occupati a litigare (davanti a palate di rifiuti) e ossessionarsi con il bambino per delle statuette che non avrà mai filtrando tutto come capriccio. Purtroppo così estremi vengono descritti simili a macchiette (il doppiaggio non aiuta!) e perdono di credibilità (la Capotondi era giusta per il ruolo?), quando però arriva il bello.

Tornati in albergo il bambino tira fuori una statuetta che aveva furbamente rubato sotto gli occhi dei genitori che, come per magia, nella notte prende vita e porta con se il bambino nel mondo dei pulcinella e delle tipiche maschere partenopee, attraverso vari scenari pittorici degni del maestro Gilliam, tra cui un’ ospedale delle bambole rotte che esiste veramente. Sogni non così lontani dalla realtà?!

ScappoDammit

Di seguito due momenti della mattinata mentre qui potete vedere il cortometraggio in streaming: http://www.pastagarofalo.it/it/garofalo-firma-il-cinema/minisito/the-wholly-family/

Premiazione dopo il corto

“Ci sono 100.000 strade in questa città, non c’è bisogno che tu le conosca, dammi ora e luogo e ti do 5 minuti, qualsiasi cosa accada in quei 5 minuti ci penso io, ma ti avverto, qualsiasi cosa accada un minuto prima e un minuto dopo te la cavi da solo.”

Con queste parole esordisce il pilota senza nome per avvertire i due rapinatori che accompagna verso il luogo della rapina. Guida la macchina più comune della California, una banalissima Impala bianca che per l’occasione monta un motore da 300 cavalli, tutti a completa disposizione per l’imminente fuga dalla polizia. Sembra di essere a fianco del pilota, oppure di provare un videogioco di simulazione di guida. Lui sguardo fisso, mano guantata inchiodata al volante. Ha il volto da bravo ragazzo e un passato sconosciuto. Si sa poco circa la sua esistenza: conosce le macchine meglio di qualsiasi altra cosa, meccanico e stuntman cinematografico di giorno, pilota per rapinatori di notte e aspira alle gare ad alta velocità assieme al capo officina, a sua volta braccato dalla mafia locale e invischiato in affari sporchi. Un giro di soldi e macchine poco gradito al pilota che, dopo aver conosciuto Irene e il figlioletto, ed essersi affezionato, cerca in tutti i modi di disfarsene ed avere almeno una parte di vita tranquilla. Ma i problemi giungono quando lei, ormai innamorata del pilota, si vede tornare a casa il marito, appena uscito di prigione e incastrato in un giro di soldi. Malgrado ciò ad aiutarlo sarà proprio il pilota che non si tira indietro pur di non lasciare Irene nei guai. Quello che ha inizio è un’escalation di violenza, tema sempre presente e sempre giustificato nei lavori di Refn dalla trilogia di Pusher a Bronson: «In questa storia la violenza è giustificata solo se c’è amore dietro e in un certo senso esplode anche sessualmente per cui la violenza serve essenzialmente alla storia d’amore».

Quello di lui e di lei sono due mondi così distanti che però quando si incontrano, si intrecciano e tutto il resto si ferma. Si fissano, dopo qualche secondo sorridono e si capiscono senza alcun bisogno di parole; il pilota dalla doppia vita (l’emergente e talentuoso canadese Ryan Gosling) e la madre in cerca di affetto (la sempre più dolce Carey Mulligan segnata anche qui da un velo di sofferenza). Tutto il film è incentrato sul loro incontro e sui loro sguardi che ben rappresentano l’amore che matura tra di loro come i ralenty a là In The Mood For Love che enfatizzano la sempre maggiore voglia di uno dell’altro.

Ma Drive oltre ad essere una semplicissima (schematicamente parlando) ma profonda storia d’amore, ha tratti noir o come lo ha definito il regista danese Nicolas Winding Refn, un “Noir al Neon”. Come non dargli torto viste le luci abbaglianti che spiccano sia nelle riprese aeree sia dentro le strade della Los Angeles notturna come nel migliore poliziesco losangelino di Michael Mann o un film anni ’80; epoca fondamentale per il regista da cui ne trae anche la colonna sonora: «Sono nato negli anni ’70, ma il mio cinema e la mia musica di riferimento riguardano gli Ottanta. Drive affianca momenti poetici ad altri efferati, entrambi parte della personalità sdoppiata del protagonista. Ne è sintesi la scena in un ascensore in cui l’uomo consuma l’unico, appassionato bacio alla donna che ha cambiato la sua vita, e subito dopo prende a calci la testa di un killer fino a spappolarla.”

Un personaggio interessante ed intrigante, quello creato nel romanzo omonimo di James Sallis poi trasposto nella sceneggiatura per il film da Hossein Amini, che strizza ovviamente l’occhio al ben più noto Travis Bickle di Taxi Driver per temperanza, cinismo e ovviamente l’aver a che fare con la strada e le persone che la abitano. Poche parole ma tanta sostanza nella storia semplice e concisa che dirige Refn, un vero talento nel miscelare altri talenti. Il principale è quello di Ryan Gosling, piacevole e soprattutto notevole che fino ad oggi era rimasto un mistero. Forse l’unico oggi ad Hollywood a poter impersonare un personaggio picchiaduro senza averne l’aspetto ma evocando cattiveria necessaria e violenza nel sangue. Tra lui e il regista è nata un intesa “telepatica” che li porterà a lavorare ancora insieme. Ottima la spalla Carey Mulligan, che solo grazie al viso trasmette tutto ciò che è necessario al suo personaggio: ricerca d’affetto. Come ogni cult che si rispetti in Drive non manca niente. Un personaggio perfetto che non è facile scordare, scene mozzafiato tra scenari d’amore, sparatorie e fughe in macchina, inquadrature e luci scelte con perfetta cura in cui viene inserita una colonna sonora meravigliosa, che amplia ciò che si vede sullo schermo, si colloca benissimo tra le immagini ed emoziona come poche. A real human being and a real hero.

ScappoDammit 

(dall’articolo di Elisabetta Ambrosi pubblicato sul Fatto Quotidiano)

Ok ora vi lascio con un paio di video il primo è il trailer del film, mentre il secondo è il primo corto amatoriale di Spielberg girato con una 8mm che poi ha dato il nome alla sua casa di produzione e come sempre buon cinema!